Un artwork d'Atelier Iris : eternal mana

Pour commencer qu’est-ce que la série des atelier ? C’est une série de RPG développé par le studio GUST qui a commencé en 1997 sur Playstation et Sega Saturn avec Atelier Marie. La série a la particularité de se baser sur l’alchimie, qui est le cœur du jeu, la recherche d’ingrédients, le synthétisation d’objets, et autres joyeusetés dans ce genre. Les histoires sont en générales assez légères , si on excepte la série des Iris il n’est pas question de sauver le monde ou autre quête épique dans le genre, mais principalement suivre le développement d’une alchimiste en herbe, on est plus proche du domaine du slice of life. Qu’importe les jeux, on est dans des ambiances fantastiques, et surtout bon enfant, c’est léger et c’est principalement l’humour qui est mis au premier plan, pas de personnages complexes au background incroyable, souvent stéréotypés, mais menés avec suffisamment d’efficacité pour êtres attachants. Enfin, j’aurais peut-être l’occasion de parler plus en détail de la saga ou d’un des jeux lors d’un prochain billet, passons sans plus attendre à l’artbook en lui même.

La page d'introduction de Mana Khemia 2

Le bouquin présente les jeux à la suite, dans l’ordre chronologique de leurs sorties, chaque jeu est identifié par un code couleur visible sur la bordure des pages, ce qui fait qu’il est très facile de retrouver un jeu avant même l’ouverture du livre, la navigation entre chaque série se fait de manière très simple. Chaque présentation d’un jeu commence par une brève description de celui ci, un synopsis, des exemples d’images, le logo, la jaquette originale, les plateformes sur laquelle il est sorti, sa date de sortie et surtout l’artiste qui a travaillé dessus.

Deux pages sur des artworks et cartes téléphoniques d'Atelier Iris 3 : Gran phantasm

Après cette présentation on passe au gros morceau de chaque parties : les artwork. Il y a toute sorte d’images qui sont liés aux jeux présentés, en passant des concept arts aux CG du jeu (events et endings ce qui peut être spoilant (même si pour un Atelier ce n’est pas un grand problème)), des pin-ups (o/), des cartes téléphoniques, poster voir des arts fait par d’autres artistes. Certaines de ses images sont enrichies d’une annotation de l’artiste qui nous donne ses impressions sur l’image, les conditions et contraintes dans lesquels il l’a dessiné.

Des images d'atelier Lilie

Et pour finir, nous avons le droit a une présentation successive des personnages de la série, cela se fait par une petite carte d’identité du personnage avec ses caractéristiques physiques, ses goûts, ainsi qu’un artwork. Pour les personnages principaux, les sprites représentants les différentes émotions du personnage. ça peut se révéler intéressant car dans le cas d’Atelier Iris, les sprites n’ont pas été fait par l’artiste principal du jeu (Jun Futaba), mais ont été faite avant, et on peut voir le contraste qu’il y a entre les très jolis artwork et les sprites que je trouve assez raté, notamment avec leurs couleurs mal incrustés et des visages impersonnels.

La présentation des personnages d'atelier Violet

Une fois fini le tour des jeux, les quelques pages restantes nous font faire un petit tour d’horizon sur la saga en générale, on rentre dans quelque chose de plus textuel globalement. On nous présente l’évolution de certains personnages récurrents de la série comme Pamela ou Hagel, ainsi que les divers améliorations qu’a subit l’item création au fil de la saga. Mais le gros du morceau est après : des interviews des développeurs de la série, de Kishida Mel ainsi que des compositeurs de la musique des jeux.

La présentation d'Atelier Lilie

Le livre fait 273 pages, le papier est de qualité et agréable au touché, la navigation est aisée, les artworks jolis, les annotations sympathiques. La mise en page est plutôt bonne en générale, l’espace est bien utilisé même si je regrette que certaines CG sont trop petites, quelques rares images n’utilisent pas bien l’espace mais elles doivent au nombre maximum de 4 ou 5. Les interviews sont plutôt riches en anecdote sur le développement de la série.

Un joli artwork d'Atelier Rorona par Kishida Mel

Le livre est édité en Europe par Udon Entertainment, est intégralement traduit en Anglais et se trouve facilement sur des sites d’achats Anglais tels qu’Amazon.uk pour une vingtaine de £ environ. Je le recommande pour les fans de la saga Atelier en général, ceux qui aiment les artistes concernés (C’est à dire Kohime Ouse, Isaemon Yamagata, Jun Futaba et Kishida Mel, ce dernier n’a pas beaucoup de pages vu qu’il n’y a qu’Atelier Rorona, mais il y a son interview pour compenser son absence) et ceux qui sont intéressés par la saga en générale. Le fan de la saga que je suis a en tout cas été entièrement satisfait par cet ouvrage, et d’une manière plus générale, j’espère que l’on verra plus souvent voire sortir en Europe des artbooks où autres ouvrages traitants de sagas de JV/animes assez confidentiels.

Puniyo <3

Platinum Games, un studio de développement de jeux vidéo fondé par d’anciens membre de Capcom commence doucement, mais sûrement, à se faire un nom sur la scène vidéoludique, Que ce soit avec Madworld, infinite space ou plus récemment Vanquish. Et c’est de ce studio, dirigé par Hideki Kamiya (qui a également travaillé sur Ôkami, Resident evil 1, 2 et Zero, Viewtiful Joe) qu’est né Bayonetta, un beat them all qui rappellera à beaucoup un certain Devil may cry de part son gameplay et sa folie (ce qui est normal, vu que c’est la même personne derrière). Mais réduire Bayonetta à un simple DMC avec une fille à tendance sado-maso ne serait pas apprécier le jeu à sa juste valeur.

Dès le début du jeu, vous serez amenés à contrôler Bayonetta, alors qu’elle se trouve sur un clocher en chute libre à se battre contre des créatures angéliques tout en défiant les lois de la gravité sous le son de chœurs puissants et d’une voix off divine vous contant le background de l’histoire. Pas de tutoriel, pas de barre de vie ou autre interface visuelle, tout ce que vous pouvez faire c’est de marteler les touches au hasard, sortant des combos au pif en espérant tuer le plus d’ange possible. Cette introduction puissante est suivi d’une cinématique plus en contraste, dans un cimetière, des pierres tombales sur lesquelles sont marqués les crédits du jeu, une espèce de parodie de mafieux qui me fait furieusement rappeler Léo Getz (incarné par joe Pesci dans L’arme fatale 2 à 4) qui se soulage sur la tombe d’Hideki Kamiya lors de l’enterrement d’un malfrat, derrière les prières d’une none. Tout cela nous fait penser à un film de gangster de série B jusqu’à ce que cela soit interrompue par une intervention d’ange venu réclamer l’âme du défunt, une chorale, une lumière sacrée, une image d’une beauté divine brutalement interrompu par la none qui se met à tabasser les anges sous un air de pop musique. Cet introduction est à l’image de ce que le jeu a à nous proposer, nous nageons en pleine folie !

Un apéro classique avec Bayonetta

Bayonetta est un Beat them all tout ce qu’il y a de plus classique dans sa structure : des niveaux, eux même divisés en versets, chaque verset étant un passage du niveau (en général des combats) qui sera noté (notations qui dépendent du style, des combos, de la vie perdue, de la vitesse… ), les notes sont regroupés à la fin du niveau pour créer une note globale. Chaque niveau possède des lieux/versets cachés, si vous en ratez un, cela se répercutera sur la note globale du niveau. Vous avez également des missions cachés (compté comme un verset), à l’instar des missions secrètes de Devil may cry vous aurez un objectif à remplir (comme tuer des ennemis dans une limite de temps, sans utiliser certains coups, en combo aérien…), ces missions sont récompensés par une partie d’extension de vie.

Afin de vous défaire du bestiaire angélique qui vous barrera la route tout le long du jeu, Bayonetta se verra attribuer un panel de mouvement classique, mais à l’exécution efficace : 2 touches d’attaques (une pour les poings et l’autre pour les pieds), une touche de saut, une touche de tire pour les armes à feu, un bouton de lock et une touche d’esquive. Malgré le classicisme apparent des mécaniques de jeu, Bayonetta s’impose grâce à un nombre de combo énorme, des joutes dynamiques dont le nerf de la guerre repose sur l’esquive et le timing. En effet, si vous esquivez une attaque ennemie au dernier moment, vous entrerez en mode witch time, pendant le witch time le temps est ralenti et la puissance de vos coups démultiplié, un mode, qui rend les joutes dynamiques et parfois bordélique dû à un nombre d’ennemi important (et aussi à une caméra parfois capricieuse), bien plus simple. Certains ennemis sont également uniquement vulnérable en witch time, comme les ennemis enflammés qui vous feront des dégâts si vous les frappez hors witch time. Il n’est par contre pas conseillé d’y être dépendant, certains ennemis y sont insensibles, et surtout les modes de difficulté supérieur voient le witch time de moins en moins présent (il est même carrément inexistant en mode infinite climax). Le temps est un élément omniprésent dans le gameplay de Bayonetta et sera utilisé à plusieurs reprises à l’occasion de certains passages du jeu.

Bayonetta tout en finesse

En plus de la traditionnelle jauge de vie vous possédez également une jauge de magie, qui augmente en attaquant vos ennemis et diminue lorsque vous vous faites toucher, cette jauge de magie gère les divers transformations et attaques spéciales de Bayonetta. A l’instar d’un Devil may cry vous avez également la possibilité d’upgrader les capacités du personnage, des accessoires, des armes, des nouveaux coups, des transformations , des extensions de vie/magie ainsi que des objets aux effets divers, tout ce la s’achète avec des “halos” qui sont laissés par les ennemis ou que vous recevez en fonction de votre note de fin de niveau. Enfin vous l’auriez compris, malgré le dynamisme et le fun des joutes, Bayonetta n’est pas ici pour révolutionner le modèle du Beat them all, mais pour offrir au joueur, une expérience de jeu complètement délirante. Vous incarnez Bayonetta, une sorcière amnésique qui sera amenée à la recherche l’oeil droit, une partie de l’artefact sacré qui s’appelle l’oeil du monde, une histoire qui sert uniquement de prétexte à une débauche d’excentricité et de délire over the top. J’insiste sur le côté over the top qui est vraiment représentatif de ce qu’est l’aventure de Bayonetta, une montée en puissance perpétuelle, une oeuvre déjantée, un final apocalyptique !

Des boss gigantesques

Le départ de tout cela est le personnage de Bayonetta, une femme au physique disproportionné, ses hanches, ses jambes, son CUL ! Des attributs exagérés qui accompagne un design de maîtresse d’école sexy à tendance sado-masochiste, une sucette qu’elle affiche de manière obscène. Tout dans le personnage sent le fétiche de film porno, pourtant cette caricature n’est que la partie apparente de l’iceberg, et malgré les commerciaux qui ont vendu le jeu en mettant en avant la partie “sexuelle” de Bayonetta cache la grosse partie immergée de l’iceberg (et non, je ne parle pas de son CUL !). C’est un personnage qui fait preuve d’auto-dérision, qui à de la répartie, qui est forte, elle mène les hommes (et les anges) par le bout du nez, son côté déluré est surtout mis en avant pour l’aspect déjanté du jeu et des combats, avec des techniques qui finissent en poses de camwhore, ses vêtements (composés de ses cheveux) qui la laisse a poil le temps d’un finish démentiel, des passages de breakdance surréaliste avec des ennemies, elle s’amuse avec son corps et on s’éclate simplement avec elle. Mais le personnage ne s’arrête pas à cette facette, elle montrera également des pulsions plus humaines, parfois maternelle envers la jeune Cereza, petite fille impliquée malgré elle dans l’histoire.

On aurait presque de la peine pour l'ennemi

Parlons d’ailleurs des personnages non moins étranges de l’univers du jeu, en commençant par Jeanne antagoniste de Bayonetta qui a les même pouvoir que celle ci et dont les dialogues et confrontations font partie des plus intenses moments du jeu, Luka, personnage un peu moins déjanté que le reste du casting qui a pourtant un lien assez fort avec notre sorcière bien aimée. Et même si l’on peut regretter le passage complet au second plan d’Enzo, on pourra toujours se consoler auprès de Rodin, émissaire des enfers faisant le rôle de Barman/trafiquant d’arme, avec son crâne chauve et son regard à la Terminator, il se démarque lors des passages dans son “magasin” avec des répliques pleines de références. Références présentes tout au long du jeu, souvent à des jeux de Clover studio ou Capcom, que l’on voit Bayonetta lancer un “Let’s rock baby !” ou voir les halos, la fameuse monnaie du jeu, pas mal ressembler aux halos de Sonic. Le jeu ne recule devant rien, et surtout pas devant le ridicule pour offrir du fun à l’état pur, un monde qui nous fait passer d’un paysage plutôt réaliste d’un petit village d’Europe ou de l’intérieur d’un gratte ciel, en passant par des lieux complètement surréalistes, affilié au paradis, où là vous pourrez parfois faire complètement abstraction de la gravité jusqu’à ne plus savoir où vous vous trouvez.

Des combats à l’esthétisme folle, des talons aiguilles géants qui apparaissent de n’importe où, des attaques punition où Bayonetta fait apparaître divers instruments de torture comme des iron maiden, des tronçonneuses et autres joyeusetés dont je ne connais même pas le nom, des finish qui font transformer ses cheveux en monstres infernaux démesurés qui dévorent les ennemis ! L’arsenal de bayonetta qui, même si elle commence de manière “basique”, (si l’on considère comme basique de mettre des armes a feu comme talon aiguille) peu s’équiper par la suite d’un fouet voire carrément de lance roquette tonfa des pieds à la tête, sans compter les divers transformations en panthère ou chauve souris. Cette débauche de puissance est là pour faire face à des ennemis qui là encore ont des têtes de gagnants, de prime abord angélique, au fur et à mesure qu’ils se prennent des coups, ils laissent apparaître leur véritable forme qui est plus proche d’un tas de chair informe qu’autre chose, des ennemis vaisseaux qui balance des salves de missiles, des créatures femelles qui tentent de voler la vedette à Bayonetta dans le camwhorisme, des boss qui rivalisent de taille pour des combats absolument épiques. Sans parler des séquences de gameplay spéciaux à moto ou de shoot sur une roquette. Il est difficile de parler de l’aspect extravagant de Bayonetta autrement que par des superlatifs.

Don't fuck with me

Niveau réalisation le jeu est correcte, ce n’est pas un monstre de détail, avec des textures qui en mettent plein la vue, mais l’univers a suffisamment de personnalité pour que l’on passe outre ses faiblesses graphiques. Tant que l’on parle des faiblesses du jeu on peut aussi mentionner une caméra parfois capricieuse, des séances de gameplay à l’intérêt ludique plus douteuse (le passage shoot them up est assez lourd ainsi que la moto). Un Luka pas vraiment pertinents dans l’univers du jeu (il casse un peu le délire je trouve), des loadings un peu long, même si on peut s’amuser à faire des combos pendant ceux-ci. L’histoire est vraiment anecdotique et n’est là que pour mettre en valeur toute l’excentricitée du jeu.
Tout ces délires visuels sont accompagnés d’une OST (composé par l’équipe d’Hiroshi Yamaguchi) à deux facettes prédominantes, la première étant celle qui s’apparente au Paradis, des choeurs puissants, des sonorités d’église, des musiques épiques, parfois contemplatifs dans des paysages surréalistes. Et de l’autre côté une musique plus pop, devoir dessouder des anges sous un remake de Fly me to the moon est une expérience plutôt spéciale. En tout cas l’OST a été soigné et est l’un des gros atout du jeu, un monstre de 150 musiques répartie sur 5 CD !

Mais quel CUL !

Bayonetta est une expérience de jeu complètement déjanté et débridé, l’extravagance du design de Bayonetta, des affrontements, de la montée en puissance perpétuelle du jeu pour atteindre un final cataclysmique et percutant, une OST divine, un univers visuel sans dessus dessous (dans tous les sens du terme), une héroïne charismatique et marquante, un jeu qui se veut à la fois accessible pour les débutants et hardcore pour les challengers (avec les modes de difficultés et les notes), des bonus comme des nouvelles tenues pour Bayonetta, un jeu blindé de références. Les mots me manque pour rendre justice à l’énorme expérience que fût Bayonetta, un jeu qui ne révolutionne pas les conventions du beat them all, mais qui se place immanquablement au sommet du genre!

Le dernier jeu de la série des contra disponible sur le XBLA, toujours chez Konami et développé par Arc System works. Après le très moyen contra neo sortie sur ps2, faisant des infidélités au fan en proposant un jeu en 3D avec une vue du dessus, Hard corps : uprising (préquelle d’hardcorps sorti sur megadrive) revient aux fondamentaux de la saga avec un run & gun en 2D tout ce qui à de plus classique : on avance, on défouraille de l’ennemi à la chaîne, on évite les pièges, on affronte des boss de plus en plus retords… on reste en terrain connu, même si le jeu apporte avec lui certaines nouveautés.

L’histoire du jeu est (comme d’habitude) plus un prétexte qu’autre chose, nous sommes dans un monde en guerre contre le Commonwealth, pour les contrer, une unité composé de quatre soldats d’élite : Bahamut, ex-soldat du Commonwealth, Krystal, une fille qui a perdu sa famille lors de la guerre, Sayuri une mystérieuse samouraï qui s’embarque dans l’histoire pour des raisons obscures et Harley, un homme qui vit pour la guerre. L’histoire se dévoile sous forme de texte qui apparaît lors des (longs) loading qui sépare chacun des 8 niveaux du jeu, ainsi que d’une cinématique de fin, différente pour chacun des protagonistes. Mais on a vite fait d’oublier l’histoire pour se concentrer sur le jeu en lui même !

Coop à deux joueurs

On retrouve donc les mécanismes du genre, on avance en tirant sur tout ce qui bouge tout en prenant soin d’éviter les salves de tirs ennemis ainsi que les divers pièges qui parsèment les 8 niveau du jeu. Sans parler des boss, de plus en plus grand et impressionnants !
En plus du tir de base, vous avez 6 armes supplémentaire que vous pouvez stocker dans les deux emplacements d’arme à votre disposition. Sachant que votre tir de base est plutôt faible, et tir lentement de manière automatique, (traduisez ça par : il faudra marteler le bouton de tir pour avoir une cadence décente) vous en aurez besoin des armes supplémentaires, chaque arme à trois niveaux de puissance, qui augmente dès que vous ramasser une nouvelle fois le bonus d’arme en question, vous perdez l’arme équipé dès que vous vous faites toucher (mais l’arme stocké dans l’autre emplacement n’est pas affecté). Ce qui se révèle très frustrant d’ailleurs, la moindre erreur peut vous faire perdre votre puissance de feu, rendant les boss encore plus dur à battre qu’avant, les bonus d’arme se faisant parfois assez rare, ou apparaissant dans des endroits difficile d’accès. Concernant les mouvements de vos personnages il n’y a pas de réel changement, vous pouvez comme sur shattered soldier bloquer la position de votre personnage pour tirer partout sans avoir à bouger, ainsi que de verrouiller l’angle de tir pour tirer dans la même direction tout en bougeant comme vous le souhaitez. Le seul ajout est le bouton courir, en plus de votre vitesse de course normale vous pourrez faire des sprints en appuyant sur cette touche, mieux encore vous pouvez faire des air dash, comme dans un jeu de baston à la Blazblu ! Ce petit ajout rend l’air de rien le jeu bien plus dynamique, et ravira les fans de challenge type time attack !

Des boss qui n'en finissent pas !

En tout cas le jeu ne déroge pas à la règle des run & gun, les niveau sont très difficile, les apprendre par coeur est fondamental si vous voulez avoir le rang A (ou S, je n’en ai jamais eu pour l’instant -__-) sur tout les stages. Stages qui se révèlent plutôt inspirés et savent varier les plaisirs, vous aurez en plus des stages à pieds normaux dans un désert ou dans une jungle, des passages sur moto, traverser une autoroute sur une planche de skate board façon retour vers le futur, sur un train, un passage façon shoot them up, une phase d’infiltration… En plus du rythme effréné des stages qui montent en intensités au fur et à mesure que vous avancez, vous ne succomberez pas à la monotonie de niveaux qui se ressemblent !

Malgré le côté hardcore du genre et du jeu, arc system works à tout de même pensé aux plus novice d’entre nous. C’est pour cela que le jeu à deux mode principaux : le mode arcade qui nous met directement dans l’action avec des personnages aux statistiques prédéfinis, et le mode rising. Le mode rising est plus orienté débutant pour deux raisons :
- la première, vous avez le choix du niveau, bien sûre, vous devez avoir atteint le niveau pour que vous puissiez le sélectionner, mais ça permet de faire une progression par pallier, si quelqu’un a perdu tout ses crédits au stage 3, il pourra recommencer directement à ce stage plutôt que de tout refaire.
- la deuxième raison, et pas des moindres : le mode rising vous permet d’améliorer votre personnage, à la manière d’un RPG. Avec des CP (pour corps point, pas child porn -__-) gagnés pendant les niveaux, vous pourrez ainsi acheter des extensions de vie, de résistance, permettre d’avoir vos armes directement au level 2 ou 3, triple saut, double air dash, renvoyer les attaques ennemis et divers améliorations qui rendent le jeu bien plus simple et fun.

Vous pouvez tout aussi bien être discret que faire sonner l'alarme et détruire toute les nuisances !

On reprochera au titre deux DLC, correspondants à deux personnages bonus (pourtant présents dans l’intro animé) à 200 points chacun et à l’intérêt limité (Harley n’ayant pas de réel différence avec les autres, Sayuri étant le seul perso intéressant étant donné qu’elle se joue uniquement au sabre) ainsi que des loading trop longs entre chaque niveau qui brise le rythme du jeu.
Mais au final Hard corps : uprising est un vrai cadeau aux nostalgiques de contra et du genre run & gun, doté d’une réalisation exemplaire avec ses sprite en 2D qui s’incrustent très bien dans les environnements 3D, d’une OST rock très efficace qui accompagne parfaitement les différents stages du jeu, d’un gameplay à la fois simple et nerveux, doté d’un mode rising qui fera plaisir aux plus novice d’entre nous, d’un mode coop à 2 sur le live (que je n’ai pas pu tester malheureusement )= ) ainsi que d’un tableau des scores sur le live. Un jeu à ne pas rater pour les fans du genre ou à ceux qui voudraient s’y essayer !

un niveau qui mettra vos nerfs a rude épreuve !

9 hours 9 persons 9 doors (Ou 999 pour faire plus court) un jeu d’aventure sur nintendo DS édité aux US par AKSYS et développé par le studio Chunsoft, à qui l’on doit le fameux 428: Fūsa Sareta Shibuya de qui à reçu la note maximale dans le magazine de jeux vidéo Famitsu (bon, après ce magazine est tout sauf crédible dans ses notations, donc à prendre avec des pincettes), et scénarisé par Kôtarô Uchikoshi qui a également écrit le script de l’excellent visual novel Ever 17 – the out of infinity. J’étais très intrigué par ce jeu lorsqu’il a été annoncé pour la première fois au Japon, ce qui fait que je n’ai pas hésité une seconde lorsque le jeu est sortie aux US (vu qu’il n’est toujours pas annoncé en Europe), et que je n’ai pas du tout été déçu de l’achat. Allez, passons sans plus tarder au jeu en lui-même.

L’action de 999 prend place dans un bateau sur le point de couler, 9 personnes y ont été enfermé contre leur gré par un dénommé Zero. Celui-ci veut leur faire participer à un jeu : le Nonary Game, le principe de ce jeu est simple, ces personnes ont 9 heures pour trouver la sortie du bateau, la sortie étant symbolisée par une porte avec le numéro 9 inscrit dessus. Vous incarnerez Junpei, un des participants du Nonary Game alors qu’il tentera de sortir du bateau avec ses compagnons d’infortune tout en essayant de trouver l’identité et les motivations de Zéro.
Bien sûre, le Nonary Game ne consiste pas simplement à vadrouiller dans le bateau avant de trouver cette porte, nos protagonistes seront plusieurs fois confrontés à d’autres portes numérotées de 1 à 9 qu’ils devront ouvrir en utilisant les bracelets numérotés qu’ils ont au poignet. Comment ça marche ? seul un groupe de 3 à 5 personnes peuvent franchir une porte, et il faut que la racine digitale des numéros des personnes correspondent au chiffre affiché sur la porte, la racine digitale consistant à calculer les chiffres d’une somme entre eux, jusqu’à ce que le numéro ne comporte qu’un chiffre, par exemples : la racine digitale des numéros 4, 8, 1 et 6 donnerait 4 + 8 + 1 + 6 = 19 >> 1 + 9 = 10 >> 1 + 0 = 1. derrière chaque porte numérotée se trouve des salles fermées, qu’il faudra déverrouiller en résolvant l’énigme/puzzle de la salle, ces énigmes consistants principalement à trouver des clés, des objets, de les combiner, de déchiffrer des codes ou à résoudre des énigmes.

Voici l'inventaire, vous trouverez également une calculatrice vous permettant d'effectuer divers opérations.

La racine digitale est au coeur du jeu, le jeu étant à fin multiple (6 pour être exacte, 3 bad end, 2 normal et une true end) dont l’issu dépendra des choix de Junpei, à savoir quelle porte il choisira de passer, sachant que les salles possèdent différents éléments/informations sur la trame, ou vous permettent de discuter avec certaines personnes en particulier, il faudra bien sûre plusieurs essaie et plusieurs parties avant de comprendre le déroulement du jeu et savoir comment débloquer la true ending.
Le jeu se découpe en deux parties distinctes, la partie novel qui servira la narration du récit et permettra de faire des choix cruciaux pour l’histoire. La narration est affiché sur l’écran inférieur de la DS, les sprite des personnages et les dialogues sont eux affichés sur l’écran supérieur. quant à la partie puzzle elle se joue quasi entièrement à l’aide du stylet, l’interface et les contrôles sont plutôt simple et intuitifs, vous pointez sur un objet/endroit pour l’examiner, vous allez dans le menu pour lire des dossiers ou documents récupérés, examiner les objets de l’inventaire ou les combiner, vous pouvez les équiper très vite en pointant en bas à gauche de l’écran, et pour les passages de puzzle un peu différent, vous avez droits aux explications appropriées.

les éléments que vous pouvez éxaminer sont surlignés en jaune.

Les puzzles sont plutôt sympa, ils ne satisferont pas les fans hardcore de point & click ou les gens à la recherche d’énigmes tordus et difficiles. Mais ceux de 999 restent efficaces, on peut rentrer dans une nouvelle salle, ne pas trop savoir ce qu’il faut faire, et comprendre petit à petit comment s’en sortir à force de rechercher des objets ou des indices, la difficulté augmente peu à peu au fur et à mesure du jeu, mais rien de vraiment difficile ou insurmontable, surtout que plus vous échouez, plus vos partenaires vous donneront d’indices. De toute façon, le jeu se démarque surtout par son histoire, les puzzles n’étant réellement là que pour donner un peu d’intéractivité au tout, et même si celles ci s’avèrent plaisantes, ce n’est pas là dessus que repose l’intérêt du soft.
kôtarô Uchikoshi aime enfermer ses personnages dans des endroits cloisonnés, coupé du monde, là on a le droit au bateau sur le point de couler avec divers énigmes à résoudre, dans ever 17 – the out of infinity les personnages étaient enfermés dans un parc d’attraction sous-marin, d’ailleurs pas mal de points de la trame ressemblent à ever17, notamment les discussions scientifiques/philosophiques, les tenants et aboutissants, les liens entre les personnages. Bref, ceux qui connaissent déjà ever17 ne nageront pas en territoire inconnu.

Le fameux bracelet numéroté.

Enfin je digresse, l’une des grandes forces de 999 sont ses personnages, tous très réussis et attachant, le premier auquel je pense est le protagoniste : Junpei, j’imagine difficilement mieux comme personnage principal de ce genre de récit, il a de l’humour, un esprit d’initiative (malgré les tensions qui règnent dans le groupe, et le fait qu’il n’y ai pas de chef désigné, Junpei arrivera toujours à faire en sorte que le joueur choisisse la porte dans laquelle il ira), courageux, téméraire sans pour autant être niais ou excessivement plein de bons sentiments, et à une place centrale dans le récit (encore heureux dira-t-on). le reste du casting n’est pas moins intéressant pour autant, ce qui est vraiment excellent c’est l’alchimie qui règne entre les personnages, avec leurs coups de gueules, divergences d’opinions, les moments où ils travaillent en groupe, les prises de bec entre Lotus et Seven, la relation fraternelle entre Clover et Snake, Ace et son côté paternaliste. Tous on une place et leurs interactions est au final très crédible, certaines personnes ayant plusieurs facettes ou secrets surprenants.
Cet excellent casting se retrouve mêlé à une trame très bien huilé et pensé, les différentes fins mystérieuses laissant le joueur avide de connaître les tenants et aboutissants réels de la trame, tout en distillant les indices qui permettent au joueur de se diriger vers la true end du jeu, qui non contente de conclure le jeu de manière épique, nous permet de lever le voile sur les secrets des autres fins du jeu et de ce qui a pu se passer. L’histoire passant non seulement par les différents dialogues ponctuant le jeu, mais également par les différentes phases de puzzle. En effet chaque puzzle est affilié à une certaine thématique, qui est également l’occasion pour Junpei de se rapprocher et de parler avec les différents personnages du jeu que ce soit de leur situation, d’un thème qui peut sembler hors de propos mais qui se retrouve au final intimement lié à la trame, ou tout simplement sur leurs passés. Comme en une partie vous ne passerez pas par toute les salles, l’issu d’une partie dépendra des salles que Junpei traversera au fil du jeu, ce qui fait que c’est en finissant plusieurs fois le jeu, et en voyant les informations que l’on a dans les différentes salles que l’on peut imaginer le chemin idéal qui mène à la véritable fin, certaines fins donnants des indices bien concrètes.

Le casting de 999

Techniquement le jeu s’en sort très bien pour de la DS, l’OST est réussi, avec des pistes pesantes, plus frénétiques ou plus calme. Le chara design de Kinu Nishimura (chara designer pour Capcom ayant travaillé sur SF 3 par exemple) est de toute beauté, mise en valeur par des sprite qui ont le droit à de petites animations parfois, présentant des personnages éclectiques correspondants à leurs personnalités, et les background en 3D précalculés diffusent bien l’atmosphère de chaque lieu.

Si je devais donner un défaut au jeu, ce serai de devoir refaire certains puzzle plusieurs fois au cours des différentes parties, 2/3 fois maximum, sachant que l’on peut accélérer les dialogues déjà vu et qu’une fois qu’on a compris comment marche une salle, ça va très vite. Sinon le jeu est très bien écrit, la traduction d’Aksys est excellente, la narration est efficace et le jeu utilise judicieusement les deux écrans de la DS, à cela on rajoute une trame à fin multiple palpitante, minutieusement réfléchie, qui répond à l’essentiel des questions posées aux joueurs tout en laissant des pistes de réflexions et une suite probable.
C’est d’ailleurs ce que laisse entendre Kôtarô Uchikoshi lors d’une séance de questions/réponses organisée par Aksys (que vous trouverez ici à l’onglet “answer”, blindé de spoiler, donc a réserver à ceux qui finissent le jeu), laissant l’occasion aux joueurs de poser des questions, ce qui nous permet d’apprendre certaines choses sur 999, notamment les inspirations d’Uchikoshi, sa méthode de travail, la création des personnages, le thème du 9 (comme le fait que les personnages ont été développés à partir de l’Ennéagramme des personalités qui permet de définir des types de personnes qui se trouvent au nombre de 9)…

Mais qui est zéro ? et quel est son but ?

Dans cette pseudo-interview, il y a deux choses qui ressortent, l’une étant une probable sortie Européenne du jeu et l’autre étant une suite, tout ça sous condition que 999 marche et se vende bien et que l’on en parle sur le net, les blogs, twitter. Et c’est un peu la raison d’être de cet article, en plus de vous communiquer mon enthousiasme pour le jeu, je suis bien conscient que ce blog est tout jeune et que je ne suis pas influent pour un sou, mais si cet article donne envie, ne serais-ce qu’à une personne, de s’essayer au jeu, d’aimer, et qu’à son tour il veuille en parler autour de lui, alors ce ne sera pas en vain.
Enfin bref, 999 est pour moi un excellent jeu, les puzzles sont sympa et divertissants, le scénario est palpitant, les personnages sont attachants pour au final une expérience marquante, que j’adorerais pouvoir réitérer avec une suite !

Excel Saga, c’était avant même que je découvre le fansub et internet, à une époque où pour découvrir des animes je n’avais d’autres choix que de tomber dessus à la télé, et canal + a été une très bonne source, notamment grâce à son émission ”la kaz” qui n’éxiste plus aujourd’hui, qui diffusait des animes cultes comme Monster, Samouraï Champloo et FMA. Parmi ces animes figurait Excel Saga, anime OVNI qui deviendra ma référence en terme d’anime comique déjanté et parodique, découvert avec la VF, qui comme les autres animes passés dans l’émission avait des jeux d’acteurs exagérés, ce qui convenait plutôt bien à la série (contrairement à des animes comme FMA où ça sonnait parfois faux ou entrait carrément dans la vulgarité grasse avec GTO). Ce fût également mon premier anime acheté en DVD, achat fait essentiellement pour voir le fameux dernier épisode jamais diffusé à la télé. Enfin bref, passons à la série en elle même.

Excel Saga est une série animée de 26 épisodes réalisé par le studio J.C. Staff, adaptation plutôt libre (même complètement libre) du manga éponyme de Kôshi Rikudô. L’histoire met en scène Excel, commandante des armées et dame pipi de l’organisation secrète et idéologique Accross, organisation mené d’une main de maître par le charismatique Il Palazzo (o/) et dont l’objectif ultime est la conquête de ce monde sale et corrompu ! Mais en attendant pour se faire la main, ils vont commencer par la conquête de la ville de F.

C'est ce que j'appel ouvrir son coeur.

Bref, pas besoin de tourner autour du pot plus longtemps, l’histoire n’est qu’un prétexte à une succession d’épisodes ayant pour thème la parodie d’un genre, que ce soit les mangas de sport ou les films de guerres en passant par les films de science fiction ou les jeux de dragues. A vrai dire, les parodies/références dans les animes sont plutôt courantes, cela est même parfois utilisé à outrance. Dans Excel Saga c’est différent, la parodie fait partie intégrante du concept (Ce n’est pas pour rien que le sous-titre de la série est “Anime expérimental”), chaque début d’épisode nous montrant une caricature de Kôshi Rikudô qui accepte (de gré ou de force) tous les délires du staff de l’anime.

Kôshi Rikudô malmené par sa propre création

L’humour fait avant tout dans le délirant et l’absurde, on est dès le début mis dans le bain avec la mort d’Excel dès les premières minutes et est ressuscitée par la volonté suprême de l’univers qui servira de raccourcis “scénaristique” à mainte reprise afin de calmer les débordements de certains épisodes. Les parodies détournent les genres de manières improbables, on se retrouve en plein pseudo film de guerre avec un soldat mort après avoir chopé un death flag ridicule, une parodie d’Albator avec des extraterrestres en forme de peluches toutes mignonnes (mais vraiment trop mignonnes =3), un voyou a la banane surdimensionné (non, pas cette banane là -__-, je parle de la coupe de cheveux). A cela, on rajoute un casting délirant , un travailleur immigré qui subira des mésaventures tout au long de “l’histoire”, un directeur avec une coupe afro qui s’incruste, une parodie de chanteur de visual key, des fonctionnaires municipaux transformés en héros de sentaï, un maire avec une moustache amovible. On trouve d’un peu tout et n’importe quoi et le moindre développement apparemment banal est sujet à une exagération folle, dont l’apogée reste le dernier épisode, jamais diffusé à la télé pour son caractère exagérément sanglant et grivois.

Un choix qu'on a tous rêvé de faire =3.

D’ailleurs, ce n’est pas la seule fois que le directeur, Shinichi Watanabe surnommé Nabeshin lors de ses apparitions, s’incruste dans les animes, on a également pu l’apercevoir dans un épisode d’Hayate no Gotoku en tant que Majordome Nabeshin, sa silhouette avec sa coupe afro (son symbole) apparait dans les “lady he no michi” (la voie pour devenir une lady) de Yamato Nadeshiko Shichi Henge, il sera même carrément le père de l’héroïne dans les OAV de Puny Puny Poemy, réalisé par la même équipe qu’Excel Saga. D’ailleurs un OAV de Nurse Witch Komugi-chan magikarte va parodier ses apparitions lors des animes qu’il dirige.

Shinichi Watanabe AKA Nabeshin

Sa volonté d’être présent dans ses réalisations est à son paroxysme Excel Saga, il ira jusqu’à se créer un background avec certains personnages du manga pour leur donner un autre rôle dans l’anime, cela lui donnera une place importante lors de beaucoup de délires de l’histoire, voire même capitale vers la fin. En parlant du manga, les fans de celui-ci on dû se sentir troller plusieurs fois devant l’adaptation, le running gag de la corde mettant plusieurs épisodes à arriver malgré quelques feintes, le début de l’épisode 2 qui annonce à quels épisodes certains personnages du manga arriveront, des scènes prises à contre-sens, l’anime s’amuse avec les fans de l’oeuvre original de manière assez étonnante.

C'est plutôt représentatif du respect qu'a l'anime envers l'oeuvre originale

Techniquement l’anime est plutôt correct, le chara design de Satoshi Ishino supporte très bien les mimiques faciales des différents protagonistes (Excel en tête), l’image s’adapte en fonction du thème de l’épisode et l’animation nous propose le minimum syndical pour ce genre de production. L’OST composé par Toshio Masuda est plutôt passe partout, on retiendra surtout l’ending aujourd’hui culte avec le chien Menchi, un opening survolté à l’image de la série et le thème de Pedro qui a quand même la classe.

Seulement le constat final n’est pas parfait, avec des épisodes aussi différents les uns des autres, leurs intérêts est également variable, certains épisodes étant hilarants, d’autres apparaissant plutôt lourds et moyennement drôle (même si pour ma part le nombre d’épisodes réussit est en large majorité), et le caractère survolté de l’anime peut donner mal a la tête à certaine personnes. On peut tout de même mettre au crédit de la série qu’elle est la seule à avoir rendu un épisode récapitulatif fun!

La couverture du tome 1

Lorsque le premier tome du manga est sortie en France, je me suis littéralement précipité dessus, tout d’abord à cause de mon fanatisme pour l’anime, mais également pour comprendre les références que l’anime faisait au manga. Et ma première réaction a été la déception, notamment car le manga était très différent de l’anime, pas de parodie, pas le même délire, l’absence de Pedro… C’est vraiment là que je me suis rendu compte que l’adaptation était réellement libre, ils ont simplement repris les personnages, leurs personnalité de base et le contexte pour en faire absolument n’importe quoi, l’humour de l’anime est centré sur les parodies, le manga est plutôt centré sur les déboires sociales d’Excel qui navigue entre son devoir envers Accross et sa situation financière.

Au fil des tomes, le manga développait ses propres mécanismes, ses propres délires, pour au final donner un résultat plutôt efficace, même si radicalement différent de l’anime, d’ailleurs vers les derniers tomes sortis en France (jusqu’à 8), d’autres personnages jamais vu dans l’anime sont introduits, et je n’ose pas imaginer jusqu’où ça va (ils en sont aux tomes 25/26 au Japon), malheureusement, Kabuto n’étant plus, je n’ai plus qu’à espérer qu’un autre éditeur reprenne le flambeau…

Vu le matériel du manga, on est en droit de se dire qu’une suite est possible, pourtant je ne pense pas qu’elle serait la bienvenue, les deux oeuvres étant radicalement différentes, et l’anime ayant fait le tour des parodies possibles, une suite ne ferait que nuire à la première saison qui se suffit au final à elle-même.
Voilà, Excel Saga est une de ces séries qui m’a fait aimer la Japanimation et qui m’a profondément marqué, pour son culot, son délire permanent, ses personnages improbables et son mauvais goût assumé lors du dernier épisode, j’espère sincèrement que J.C. Staff puisse nous ressortir une comédie de cet acabit!

Kyaaa ! Il Palazzo-sama o/!

En ce jour du Vendredi 4 Février 2011, j’ai pu m’essayer à la nouvelle console portable de Nintendo lors d’un l’évènement au Carrousel du Louvre (merci à Kopan pour l’invitation). Et ma première surprise fût le peu de monde présent, sérieusement pour un essaie d’une console Nintendo en fin de semaine dans Paris, je m’attendais à faire la queue pour jouer à chacun des jeux proposés, mais finalement j’ai pu toucher à un peu tout sans vraiment d’attente, la présence d’un buffet aidant à patienter.
L’évènement consistait en une grande salle avec des 3DS test de partout, certains jeux étaient jouables, d’autres étaient uniquement des vidéo test, mais cela m’a déjà permis de me faire une idée des capacités de la bête ainsi que du rendu de cette fameuse 3D sans lunettes. Enfin sans plus tarder, voyons ce que donnent les jeux que j’ai pu tester :

Kid Icarus : Uprising, un des premiers titres annoncés avec la 3DS, les premières images montrant un jeu dynamique, donnant un aperçu des capacités techniques de la console plutôt satisfaisantes, surtout comparé à la DS. J’ai pu tester le jeu sur le premier niveau, boss y compris, le jeu était en facile donc je ne sais pas à quel niveau d’exigence requerra le jeu, sachant que j’ai bouclé le niveau plutôt facilement, en tout cas les commandes de ce jeu se révèlent plutôt simples et intuitives.

Le gameplay de ce jeu m’a pas mal fait penser à Sin & Punishment sur Wii, on contrôle les mouvements de Pit via le joystick et on vise les ennemis avec le stylet, de la même manière qu’on déplace le personnage avec le joystick du Nunchuk et vise avec la Wiimote dans S&P, le seul bouton d’action existant étant le tir (sur L).

Pour le rendu de la 3D, elle est vraiment bonne, on fait vraiment une séparation des plans entre Pit, les ennemis et le background, ça n’apporte pas de plus-valus concrète au jeu, mais mettre l’effet de temps en temps peut se révéler sympathique, même si à déconseiller lors de passages difficiles. La 3D, et cela est valable pour tous les jeux, nécessite d’être bien en face de la console, et ce sans bouger. Hors dans Kid Icarus, vous ne tenez la console que d’une main (l’autre tenant le stylet bien évidemment -__-), ce qui fait que vous n’êtes pas stable face à l’écran, et donc avoir une image qui se trouble par moment.

Un autre problème, qui ne me concerne pas mais qui pourrait être rédhibitoire pour pas mal de joueurs : Le jeu est destiné aux droitiers. Comme il n’y a pas de joystick sur le côté droit vous êtes forcés de contrôler Pit de la main gauche et tenir le stylet de la main droite, celle qui était au stand du jeu m’a dit que la 3DS n’était pas définitive, et qu’elle pense que Nintendo réglera ce problème (ne serais-ce qu’en rajoutant un joystick a droite), mais pour l’instant force est de constaté que les gauchers risquent de déchanter.

Autre chose que j’ai pu tester : la réalité augmentée. Pour essayer d’expliquer comment ça marche, les caméras de la 3DS filment l’environnement, et on y rajoute des éléments du jeu (donc fictifs) à l’environnement pour interagir avec elles.

J’ai pu tester deux applications de la réalité augmentée, le premier jeu nécessitait une carte, le programme du jeu identifie la carte et lance le jeu qui ne peut se jouer qu’avec la carte dans le champ d’action de la caméra de la 3DS, si l’on film ailleurs, la console perd le signal et la caméra n’affiche plus les éléments du jeu, elles réapparaissent dès que la carte revient dans le champ de vision de la 3DS. On est bien sur libre de nos mouvements, et l’on peut tourner autour de la carte pour voir les éléments fictifs sur 360°. Le jeu testé était un simple jeu de shoot, le jeu affichant des zones avec des cibles sur la carte, et on doit les détruire en visant les cibles avec le viseur qui s’affiche sur l’écran de la 3DS.

L’autre jeu était également un shoot, celui ci ne nécessite pas de carte ou autre, il vous demande simplement de vous prendre en photo (ou un ami), modifie le visage légèrement pour le rendre méchant (ce qui donne des déformations assez marrantes), et utilise la photo pour les mettres sur les cibles qui vous servent d’ennemis, ils vous attaquent, vous narguent, créent des failles spatiaux temporelle. Bref c’est clairement gadget, mais entre amis ça peut être amusant.

Pour ces deux jeux, je n’ai pas pensé à faire attention a la 3D (notamment parce que le background était simplement ce que je filmais), donc je n’ai pas grand chose à dire la dessus.

On passe maintenant à Steel Diver, un jeu de sous-marin. Le gameplay se divise en deux passages, un jeu de shoot sous-marin en 2D, et l’autre un jeu de shoot en 3D utilisant la capacité gyroscopique de la 3DS, on se tourne avec la 3DS comme on tournerai le gyroscope d’un sous marin, et l’on envoie les torpilles détruire les bateaux ennemis. Par contre je n’ai pas pu tester les phases de jeu en 2D, seul le passage au gyroscope était accessible. J’ai pas trouvé la 3D vraiment impressionnante ni vraiment utilisé pour la profondeur, le résultat était vraiment moyen, en plus de l’intérêt limité du jeu.

J’ai aussi pu m’essayer à James Noir Hollywood un puzzle game d’Ubisoft avec une ambiance rétro plutôt année 50/60, l’ambiance est assez bien foutu mais le jeu manque cruellement d’intérêt, les deux seuls puzzles que l’on fait son plutôt ridicules et la trame de base très mal introduite. La 3D sur les décors/personnages en 2D donne un relief relativement sympa, mais sur les éléments 3D c’est juste inutile.

Les autres jeux n’étant que des remakes d’autres jeu, je vais passer vite fait sur leur rendu sur 3DS.

Dead or Alive next dimension à une 3D très accessoire et dispensable, d’autant plus que le jeu subit une chute de framerate lorsque l’on active la 3D, bref ce n’est vraiment pas à l’avantage du jeu, au contraire de super street fighter 4 qui doit avoir la 3D la mieux gérée de tous ce que j’ai vu de l’évènement, que ce soit l’effet de profondeur ou le relief, le tout est très bien rendu, ce qui est un plus non négligeable sachant que jouer a SSF4 sur le pad 3DS est tout sauf plaisant (malgré les raccourcis). Nintendogs’ & cats’ a également une 3D très bonne, j’ai vraiment eu l’impression que le chat sortait de l’écran lorsqu’il demandait une caresse, c’était très bien fait (Même si non, ça ne me fera pas acheter le jeu =p). Resident evil 3D reprend le gameplay de RE4, et sa 3D ne m’a vraiment pas marqué, c’est plutôt passe-partout en général.  MGS3 n’était qu’en vidéo test mais la 3D était honnête, tout comme pour ocarina of Time, celui ci utilise de plus la fonction gyroscopique pour la visée avec le lance-pierre.

Pour terminer la 3DS inclut un bouton “home” qui nous permet de mettre le jeu sur pause et de revenir dans le menu principal de la console (comme pour le bouton PS de la PS3 ou home de la PSP), la 3D reste un élément bling bling pas véritablement exploité dans les jeux même si en soi elle est plutôt réussi, surtout sans lunettes, mais utiliser la 3D c’est également sacrifier du confort de jeu, étant donné que l’on doit vraiment rester droit devant l’écran, en évitant toute sorte de mouvement (ce qui peut gêner sur certains jeux, comme Kid Icarus). La réalité augmenté est un concept sympa qui peut ouvrir sur pas mal de possibilités, même si pour l’instant on a pas d’application vraiment excitante dessus et le line up de départ est quand même pour l’instant assez peu intéressant si on est à la recherche de nouveauté (mais bon, on est chez nintendo, on est habitué).

J’ai aussi remarqué qu’en général, pour une console portable, les jeux qui utilisent la fonction gyroscopique ou la réalité augmentée ne sont pas fait pour être joués dehors ou dans le métro, mais plutôt chez soi, seul où avec des amis, ce qui tue un peu la notion de console portable. Ce n’est pas forcément un mal, mais ça m’amuse d’imaginer une personne essayer de couler un destroyer en tournant sur lui même en plein milieu d’un RER/metro…